Antonio Fernández Munárriz habla de cine

El cine de Corea del Norte.

2012-03-11T16:57:00.000+01:00

El cine de Corea del Norte.

El libro lleva el título “El cine de Corea del Norte” y es una introducción al cine realizado en la República Popular Democrática de Corea.

Es el primer libro que aborda este cine. Está orientado al lector cinéfilo pero sin excluir a todas las personas curiosas que buscan conocer cosas nuevas y los interesados con todo lo referente a Corea.

El autor, el torrelaveguense Antonio Fernández Munárriz, habla del cine y su contexto social y político. Pone ejemplos, cita y hace críticas. Siempre desde el respeto y admiración a un cine que lo define como “bello, bien ejecutado y de enormes cualidades morales”.

El libro tiene una extensión de 80 páginas, en una edición sencilla de 20,5 cm X 14,5 cm.

Cuenta con un prólogo a cargo de Mikel Vivanko, Delegado Oficial de la Asociación de Amistad con Corea (KFA).

Es un libro imprescindible para conocer el cine de Corea del Norte. La clave para su conocimiento y difusión.

Para poder adquirirlo:

Enviar 10€ a través de un giro postal.

Para envíos al extranjero dependerá del precio de los gastos de envío.

Para ambos casos, antes se debe mandar un E-mail a afmunarriz@yahoo.es adjuntando los datos personales de la persona que está interesada en adquirir el libro para poder realizar el envío.

En Torrelavega (Cantabria) se puede adquirir en la Librería Esmeraldo (Avenida de España, 3) al precio de 10€.

Quién esté interesad@ en la distribución de la obra o que se realice la presentación del libro por el autor debe de ponerse en contacto a través de este E-mail: afmunarriz@yahoo.es

En Abril 2012 (pendiente de confirmar el día) se presentará en Torrelavega, en el Centro Social y Cultural Ítaca (C/Bonifacio del Castillo, Barrio de la Inmobiliaria).

En Santander, pendiente de confirmar el lugar y la fecha.

El cortometraje “Oportunidad” se estrena en la Filmoteca de Cantabria.

2012-03-04T21:23:00.003+01:00

El cortometraje “Oportunidad”, de Antonio Fernández Munárriz ha sido programado por la Filmoteca de Cantabria (Calle Bonifaz, 6 de Santander) para su visionado el mes de Marzo del 2012.

A continuación, la programación del cortometraje (fecha, hora y película que le acompaña):

Miércoles 7 de Marzo 2012.

20:00h. Cortometraje. “Oportunidad” de Antonio Fernández Munárriz, 2’37 min.

“Mientras N. York duerme “de Fritz Lang 100. V.O ingles.

Jueves 8 de Marzo 2012.

20:00h. Cortometraje. “Oportunidad” de Antonio Fernández Munárriz, 2’37 min.

“Más allá de la duda” de Fritz Lang 80 min. V.O ingles.

Jueves 15 de Marzo 2012.

20:00h. Cortometraje.” Oportunidad” de Antonio Fernández Munárriz, 2’37 min.

“Gentleman Jim” de Raoul Walsh 104 min. V.O en ingles.

Para más información:
http://antoniofernandezmunarrizhabladecine.blogspot.com/2012/01/el-cortometraje-oportunidad.html
y
http://www.palaciofestivales.com/?menu=3&submenu=&id_semana=127

http://www.palaciofestivales.com/?menu=3&submenu=&id_semana=128

Rock´n´Roll High School.

2012-02-26T14:38:00.000+01:00

Una comedia musical americana de 1979. Producida por Roger Corman. Dura 93 minutos.

Por Antonio Fernández Munárriz.

Roger Corman fue un productor y director de películas de bajo presupuesto. Recordado por las adaptaciones de historias de Edgar Allan Poe, como “El cuervo” (1963). Dio trabajo a actores que ya no eran aceptados en grandes producciones, como Vincent Price. En sus películas daba oportunidad a jóvenes y desconocidos talentos como Jack Nicholson y a directores que más tarde hicieron historia: Francis Ford Coppola, entre otros.

Detalle del cartel de la película.Aparecen Los Ramones,P.J.Soles y Dick Miller.

En 1970 creó la compañía “New World Pictures”, con la que produjo esta película. A comienzos de los años 80 la vendió y tras distintas vicisitudes terminó siendo absorbida por el canal de televisión americano FOX. Roger Corman comenzó una nueva etapa con la productora “New Horizon Films”. Esta película fue dirigida por Allan Arkush. En otras cintas fue ayudante de dirección del director y productor, Joe Dante; el director de "Gremlins" (1984).

Un grupo con una música, estética inconfundible y copiada: Los Ramones.

Los Ramones es un grupo de punk-rock mítico. Comenzaron su carrera musical a principios de los años 70 y esta película les supuso una gran promoción.

Ambientada en un instituto: Una comedia gamberra.

Hay una dimensión mundial en su argumento: A los jóvenes les gusta la música rock y Los Ramones en particular. Toda la iconografía en este tipo de comedias está presente. En esta alocada comedia musical para adolescentes entran todos los temas recurrentes en este tipo de producciones: Alumnos empollones, otros gamberros, profesores duros e intransigentes, bromas, humillaciones, chicas y chicos que explotan su imagen más sensual y sobre todo la música de Los Ramones. Una película hecha para su lucimiento y promoción.

Portada del DVD.

Los protagonistas: Los Ramones.

Pamela Jayne Hardon, con el nombre artístico de P. J. Soles interpreta a la fan Número 1 de Los Ramones. Antes del estreno de esta película se casó con el actor Dennis Quaid, del que se divorciaría posteriormente. Tiene un pequeño papel un habitual en las películas de serie B, Dick Miller; un habitual en las producciones de Roger Corman y recordado por el papel en "Gremlins" (1984) definiendo en la película el nombre de los pequeños monstruos.

Por supuesto, aparecen Los Ramones.

La amistad, la solidaridad, rebeldía y el amor; unidos con la música.

Trailer de la película:

Relámpago sobre el agua.

2012-02-19T23:27:00.003+01:00

Película-documental alemán y sueco rodado en Nueva York que dura 91 minutos. Es de 1980.

Por Antonio Fernández Munárriz.

La dirige Wim Wenders junto a un Nicholas Ray agónico. Una dirección atípica debido al pésimo estado de salud del director de “Rebelde sin causa” (1955) o “55 días en Pekín” (1963), entre otras películas. Wim Wenders es un cineasta alemán admirador de Ray y ya consagrado cuando realizó esta cinta. “Relámpago sobre el agua” se grabó en un espacio de tiempo corto, justo antes de que el alemán comenzara a rodar “Hammett” (1982).

Portada del DVD.

Su comienzo es de falso documental: Wim Wenders visita de una manera sorpresiva a su amigo y admirado Nicholas Ray en su domicilio de Nueva York. Salvo estos primeros minutos estamos ante el espectáculo-documental de los últimos momentos de Ray. Nicholas Ray, enfermo terminal de cáncer, nos hace un retrato de su vejez y enfermedad. Junto al grupo de técnicos que participa en el rodaje, la joven pareja de Ray y el propio Wim Wenders nos introducen en el día a día de un enfermo que le queda poco tiempo de vida.

Resulta duro. Rodarlo es una delicada misión que por momentos genera preocupación en el director alemán. Más tarde declaró que no era una película para exhibirla por televisión, solo en las salas de cine para propiciar el recogimiento que amerita. Tras estrenarla en Cannes, en una versión más extensa, decidió reducir su duración; debido a las críticas recibidas.

Carátula del DVD.

Este documental de los últimos momentos del “maestro” retratados por su “pupilo” no se puede entender sin la presencia de una leyenda del cine y su heredero cinematográfico. Si fueran dos desconocidos y anónimos protagonistas, esta película no tendría ningún interés.

En un breve espacio de tiempo vemos a un Nicholas Ray cada vez más débil. El cáncer actúa muy rápido y de una manera cruel. Pero en este retrato del sufrimiento vemos risas, amor y momentos de absoluta vitalidad. Junto a su joven pareja, Susan Ray, hay momentos para pensar en un futuro, aunque sea de días.

La muerte se presenta como camino y así se representa en su último viaje: Un barco de vela chino lleva sus cenizas. Las gracias físicas divinas (sanaciones) están fuera de lugar en un retrato humano alejado de supersticiones y mojigaterías ligadas a la religión. Libre de hipocresía, Ray encuentra en sus amigos, pareja y su gran obra el apoyo que necesita.

El Sábado 4 de Febrero; la película fue presentada y hubo posterior coloquio, como ocurre siempre en la primera sesión de los Sábados en la Filmoteca de Cantabria, por Fernando Ganzo y José Luis Torrelavega.

Escenas de la película:

The Trotsky.

2012-02-12T18:04:00.000+01:00

Es una película canadiense del 2009 que dura 120 minutos.

Por Antonio Fernández Munárriz.

Su director es Jacob Tierney. Es un actor, director y guionista canadiense de cine y televisión. Jay Baruchel es el actor canadiense protagonista de la cinta.

En el recuerdo: León Trotsky y Woody Allen.

El mimetismo del personaje de la película con el personaje histórico nos recuerda al falso documental de Woody Allen, “Zelig” (1983). Un hombre es conocido popularmente por adaptar su apariencia: El camaleón humano.

El joven protagonista de la película adquiere el físico, los gestos, la manera de hablar, vestir y comportarse del revolucionario ruso, León Trotsky.

El personaje real se enfrentó a Stalin, tuvo que exiliarse en México y terminó asesinado por encargo del líder ruso en 1940.

Las ideas de León Trotsky siguen siendo un referente en la izquierda de muchos países y fue importante su impronta en sindicatos de los EE.UU y Canadá.

El argumento.

El argumento va más allá de una comedia sobre adolescentes. Es una denuncia sobre la falta de valores y el hedonismo en la juventud actual.

Un estudiante comparte el mismo nombre que el personaje histórico y adapta su personalidad a la de él. En clave de comedia nos adentramos en sus difíciles relaciones de familia y con sus profesores debido a esta situación. A raíz de este hecho, que puede parecer un trastorno psicológico, nos adentramos en una sociedad consumista con un sistema económico depredador, duramente competitivo y que divide a la sociedad entre ricos y pobres. Un sistema injusto y nada igualitario que genera pocas oportunidades para la mayoría dejando a muchos en la cuneta. Situaciones cómicas que sirven también como denuncia.

Portada del DVD.

Frente al carácter revolucionario y agitador del joven Trotsky; se encuentra a unos compañeros de instituto apáticos, con nulo compromiso social y que buscan el placer y la diversión ante todo. Un retrato del hedonismo en la sociedad canadiense, y más concretamente en la ciudad de Montreal donde está ambientada esta película.

La cinta se adelantó al Movimiento 15-M y merece una reflexión desde esa mirada. Pertenece al cine independiente, que no solo busca entretener.

Trailer de la película:

Antonio Das Mortes.

2012-02-05T21:42:00.001+01:00

Cartel en color de "Antonio Das Mortes".

Dependiendo de la copia dura 94, 100 o 110 minutos. Es de Brasil. De 1968.

Premiada en Cannes y la primera película en color del director.

Por Antonio Fernández Munárriz.

Cartel en B/N de "Antonio Das Mortes".

La década de los años 60 trajo un nuevo cine en Francia, un movimiento denominado “Nouvelle Vague”(Nueva Ola). Desde Brasil se creó un cine similar que se denominó “Cinema Novo”(Cine Nuevo).

Un tiempo de renovación sin olvidar a los pioneros del cine brasileño, como Mario Peixoto. Autor de una sola película “Límite” en 1931, fue poeta y novelista. Humberto Duarte Mauro fue otro pionero. Escritor y documentalista.

En la década de los 60 una dictadura, la izquierda en efervescencia y la agitación social acompañaron al nacimiento del nuevo cine de Brasil. La crítica lo llamó “cine tercermundista” por el alarde de creatividad: Con pocos medios y hecho en un país subdesarrollado.

“Antonio Das Mortes” es una continuación de “Dios y el diablo en la tierra del sol”(1964). Esta cinta supuso el arranque de una estética que los críticos definieron como “estética del hambre”. Películas con influencias de Eisenstein, del neorrealismo italiano, del dramaturgo y poeta Bertolt Brecht y del western.

Portada del DVD.

La historia del bandolerismo en Brasil.

Antonio Das Mortes es un Cangaceiro. Los cangaceiros eran bandidos que actuaban en el extensísimo y rural nordeste brasileño. Una extensa región donde los terratenientes eran los dueños del territorio y de sus habitantes desde los tiempos de la esclavitud. Los cangaceiros aparecieron en el siglo XIX como respuesta al descontento generalizado ante la explotación de los hacendados, amparados en la inexistencia de la autoridad del estado.

Bandidos que robaban a los ricos para repartirlo entre los pobres o en su propio beneficio. Ejércitos privados pagados por los terratenientes les acosaban. A principios del siglo XX el gobierno de Brasil se propuso acabar con su vacío de poder y los que no fueron encarcelados terminaron asesinados.

Al estilo del western.

Caratula del DVD.

La película es de inspiración poética. Antonio Das Mortes es un personaje que se trata desde el contexto cultural de Brasil. Un lenguaje imaginativo en un paisaje rural con sencillas melodías musicales. Sincretismo, entendido como mestizaje, popular y folclore empapado en el misticismo o unión de lo divino con lo humano.

Glauber Rocha fue el director de la película y de este movimiento: “Cine Novo”. Rompe dogmas desde un nacionalismo que cambia los valores establecidos.

La película es un western desde otra mirada.

La fuente de las mujeres.

2012-01-29T15:19:00.002+01:00

Es una película francesa estrenada en el Festival de Cannes 2011, ambientada en Marruecos. Dura 120 minutos. Es del 2011.

Por Antonio Fernández Munárriz.

El guión y la dirección es del director rumano afincado en Francia, Radu Mihaileanu. El productor es el director de cine francés autor de películas de éxito (“El quinto elemento”, 1997 o “Nikita, dura de matar”, 1990), Luc Besson.

Portada del DVD, blu-ray disc.

Radu Mihaileanu es un director judío que ha tratado en “Vete y vive”(2005) el drama de cientos de miles de judíos etíopes que escaparon del hambre en 1984. Un traslado en aviones de la comunidad judía etíope a Israel que llevó el nombre de “Operación Moisés”.

La música es de Armand Amar, nacido en Israel pero afincado en Francia. En el 2010 recibió un Premio Cesar del cine francés por componer la música de otra película de Radu Mihaileanu. Un compositor imprescindible en el cine y televisión de Francia.

Basado en una historia real con influencia de la Grecia Clásica en pleno siglo XXI.

Con “La fuente de las mujeres” hace un análisis del mundo rural musulmán a raíz de un hecho real que ocurrió en Turquía en el año 2001, cuando las mujeres de un pueblo; hartas de recorrer un largo y tortuoso camino para recoger agua se negaron a hacer el amor con sus maridos hasta que estos canalizasen el agua hasta el pueblo.

Portada del DVD.

Este hecho inaudito nos lleva al recuerdo de la Grecia Clásica y en concreto a una obra de teatro de Aristófanes (un escritor de comedias que falleció en el año 385 Antes de Cristo). En “Lisístrata”, esta mujer jura no hacer el amor con su esposo en señal de protesta: Una huelga de amor; tal y como trata la película.

La protagonista es Leila, interpretada por Leila Bekhti (Premio Cesar del cine francés a la mejor actriz revelación por “Tout ce qui brille” (“Todo lo que brilla”, 2010). Una actriz que se ha convertido en una celebridad en Francia, participando en cine y televisión.

El argumento: Una comedia.

La historia, en clave de comedia, es intimista y a veces dramática. La metáfora de la vida es el agua. Un camino de penalidades en lo alto de una montaña que conducen a la fuente: Accidentes, celebraciones y misterios.

Aspectos históricos de un pueblo rural y atrasado, cuestiones de fe que fluctúan entre un Islam rígido y otro más tolerante; y sobre todo, la temperie cultural de una sociedad en transformación debido a la emigración y al turismo.

Las mujeres toman la iniciativa y se revelan haciendo una “huelga de amor”. Solicitan lo que tiene el resto del mundo: Agua y electricidad en sus casas. Como mujeres, les toca por tradición cargar durante kilómetros y tortuosos caminos con calderos llenos de agua. Frente a la mujer de ciudad, libre y de vida cómoda; nos encontramos con la mujer rural, sometida al hombre y con trabajos, cultura y relaciones interpersonales ligadas al Medievo.

Ha sido exhibida en los cines Groucho, de Santander.

El hijo del cantor.

2012-01-22T21:49:00.002+01:00

Es de EE.UU, en idioma yiddish. Dura 80 minutos y es de 1931.

Por Antonio Fernández Munárriz.

El argumento y sus protagonistas.

Un niño de la atrasada Europa se escapa de casa y emigra a la tierra de las oportunidades: América. Tras muchas penalidades triunfa como cantante y encuentra el amor. Un melodrama romántico-musical lleno de buenas canciones y con bastante comicidad. El idioma yiddish y su melodiosa pronunciación acompaña perfectamente a la música.

Su protagonista, Moishe Oysher, era un apreciado cantante y actuaba en bodas y celebraciones judías. La cinta sin ser autobiográfica, tiene coincidencias con el protagonista y también con el director.

Sidney Goldin es su director. También trabajó como actor en cine y teatro yiddish. Un cineasta yiddish europeo que se trasladó a los EE.UU para triunfar, al igual que el protagonista de esta película. Durante el rodaje sufrió un ataque al corazón del que se recuperó y fue sustituido por Ilya Motyleff. Esta es la causa, que dependiendo de la fuente, la película esté firmada por uno u otro director.

La otra cantante de la cinta es Florence Weiss. Pareja en la vida real del protagonista, Moishe Oysher.

“Campos verdes” (1937). Otra película yiddish.

El yiddish: Más que un idioma.

El yiddish engloba a todo lo relacionado con los judíos de Centroeuropa. Unidos por una lengua con varios dialectos dependiendo de su localización geográfica pero teniendo como base la mezcla del alemán, ruso, y polaco; junto al hebreo y arameo: Esto forma el idioma yiddish.

De este modo hablamos del cine yiddish como extensión de lo judío. Un cine de bajo presupuesto dirigido a los judíos y producido desde los años 20 a los 40 del pasado siglo. Trataban leyendas y temas recurrentes de su comunidad unidos por su idioma.

Las preocupaciones y valores de los judíos estaban reflejados en las cintas que se distribuían en Europa y América. Rodadas indistintamente en ambos continentes. Su origen es teatral y la más destacada fue rodada en Polonia antes de ser invadida por la bota nazi, “El Dybbuk” (“Espíritu malicioso”), está basada en una obra de teatro de 1914.

Cartel del ciclo en la F. Botín.

Leyendas, dramas, comedias y musicales tenían cabida en este tipo de cine. Una reafirmación de su cultura e idioma frente a la homogenización que se producía en la industria del cine.

Esta película tuve la oportunidad de verla el 11 de Enero del 2012 en la Fundación Botín, de Santander. Fue presentada por Richard Peña, profesor de cine y director de programación del Film Society of Lincoln Center.

El cortometraje: “Oportunidad”.

2012-01-15T23:42:00.004+01:00

Pincha encima de este enlace y podrás ver mi cortometraje:

http://www.youtube.com/watch?v=oYoKKG_mgO4&feature=share

Si lo deseas, también puedes ver el cortometraje a través de este otro enlace:

Título: Oportunidad.

Duración: 2 minutos 37 segundos (2:37 minutos).

Ficha artística:

Alberto J. Herrera.

Sandra Bolado.

Ficha técnica:

Guión y Dirección: Antonio Fernández Munárriz.

Cámara: Alberto J. Herrera y Jesús Cembrero.

Montaje: Alberto J. Herrera y Antonio Fernández Munárriz.

Sinopsis:

Una pareja se enamora. Recitan al unísono un poema que el espectador no puede escuchar. El cortometraje es mudo y solo se escuchan algunos ruidos.

Este es el poema:

“El viento retuerce y nos hace mudos

que no vemos por tener cerrados los ojos.

Nunca me pregunto nada.”

El deseo es omnipotente en cuanto que nada lo detiene. El encuentro genera una construcción, con palabras, sencilla pero imaginativa. Una historia de amor sin estridencias: Pausadamente.

Aparecen frases durante el cortometraje:

“El amor nos parece un sentimiento poderoso

capaz de transformar la vida.

¿Qué esperanza ponemos en el amor?.”

“Con dureza objetiva

Preparamos los caminos.

Es hora de enjuiciar al amor.”

“Volcado hacia el futuro

un apunte impresionista:

Una evolución en el sentimiento.”

Forman parte de la narración hacia un punto de pasión e idealismo. Más allá de las injerencias de los sonidos: Ruidos.

La pregunta: “¿Qué esperanza ponemos en el amor?”, pertenece a las encuestas del movimiento surrealista de principios del siglo XX.

Se trata de romper con la estética clásica del enamoramiento en un clima surrealista. Una gramática de los sueños desde un punto de vista caprichoso cultivando la provocación de una manera agresiva.

El cortometraje es una distorsión a vueltas con la realidad.

Por: Antonio Fernández Munárriz.

Fanny y Alexander.

2012-01-08T16:33:00.001+01:00

Es de 1981/1982. Una producción de Suecia, Francia y Alemania. Ganó cuatro Oscar.

Por Antonio Fernández Munárriz.

Una película en dos versiones: Una muy extensa y por capítulos para la televisión y otra más corta para el cine, de 188 minutos.

El guión y la dirección son de Ingmar Bergman.

Ambientada en la ciudad sueca de Uppsala, la misma donde nació su director.

Es una película que pone frente a la realidad lo místico. Un retrato de una sociedad burguesa en una pequeña localidad de Suecia a principios del siglo XX.

Un teatro, los actores, un judío comerciante de antigüedades y títeres, un obispo luterano estricto, disparatados acontecimientos y revelaciones que unen el más allá con el mundo real.

Una historia por momentos sensual que es un homenaje a la vida del director. Con tintes autobiográficos resalta la personalidad del obispo, que representa al padre de Bergman. La vida disipada y alegre de los acomodados burgueses representan a su madre.

Escenas perfectamente adheridas a la realidad que se combinan con el simbolismo y las apariciones de fantasmas. Incluida la especial comunicación mental entre los dos personajes con ambigüedad sexual de la película. Una unión mental que es capaz de matar.

La justicia y misericordia de una sociedad que se debate entre la modernidad y su tradición luterana. Un cristianismo excluyente, castrador e intolerante.

Caratula del DVD.

Los protagonistas son dos niños de horizontes abiertos. Frente al gélido hogar de su padrastro se abre la luz y el calor del sol de la familia de su madre.

El 29 de Diciembre del 2011 se visionó la película en la Filmoteca de Cantabria. Contó con la presencia del profesor y crítico de arte Alberto Ruiz de Samaniego. Con su presentación y posterior coloquio recorrió el camino de la vida a través de esta película. El horizonte de lo sensible que envuelve la trama de la cinta.

Se permuta.

2012-01-01T21:39:00.002+01:00

Es una comedia de 1983. De Cuba. Dura 103 minutos.

Por Antonio Fernández Munárriz.

La música es de Osvaldo Rodríguez, junto a otros músicos ciegos formó un grupo “Los 5U4” que adaptó el sonido de la época al tradicional bolero; llamándolo la crítica de aquellos años: “Boleros electrónicos”.

Cuba vivía una época de prosperidad que se expresó en comedias como la que nos ocupa. Los jóvenes eran soñadores. No había problemas económicos ni de trabajo. El acceso a la vivienda es retratado en esta cinta desde una perspectiva amable.

En una sociedad socialista la venta no está permitida. Con el humor y personalidad cubana nos adentramos al problema de cambiar de residencia: La permuta. Cambiar una vivienda por otra es la solución.

Desde el folclorismo, la picaresca y la posibilidad de ascenso social, una madre, Gloria (interpretada por Rosita Fornés) pesada y cargante; quiere apartar sentimentalmente a su hija, Yolanda (interpretada por Isabel Santos) de un obrero.

Su objetivo es mudarse al elitista barrio del Vedado, en La Habana. Con las nuevas amistades y vecinos quiere conseguir un futuro yerno mejor situado socialmente. Espera que su hija entre en otra realidad pero evidentemente el transcurrir de la película confirma el enraizamiento de un amor que supera clases y razas.

Portada del DVD.

Rosita Fornés es una auténtica institución en el mundo artístico de Cuba. Hija de españoles, desde los años 40 ha trabajado en el teatro, cine, televisión, radio y canto: A través de zarzuelas, discos, cabarets y festivales.

Isabel Santos interpreta a Yolanda, la hija enamoradiza de Gloria. Fue su primera película y venía de trabajar en televisión.

Mario Balmaseda es el novio de Yolanda. Un actor que vino al cine del teatro. De amplia experiencia, es uno de los actores más populares de Cuba. Poeta, profesor de arte dramático y autor de obras de teatro son otras de sus ocupaciones.

Esta cómica y caribeña versión de la Celestina cuenta con el guión y dirección de un experto en la comedia como es Juan Carlos Tabío. Fue su primer largo de ficción. Junto a Tomás Gutiérrez Alea codirigió la premiada y recordada “Fresa y Chocolate” (1993).

Una relación amorosa que ensancha la esperanza y el consuelo en una vida mejor llena de felicidad. Una comedia sentimental y tropical con rápidos diálogos. De origen teatral, es un retrato de Cuba: Incisivo que viene de lo cotidiano.

Este es el bolero de Osvaldo Rodríguez, que es el tema musical de la película:

Santa Claus conquista a los marcianos.

2011-12-25T21:38:00.000+01:00

Dura 81 minutos. Es de EE.UU y fue estrenada en 1964.

Por Antonio Fernández Munárriz.

En el recuerdo: Las películas de Ed Wood.

Nicholas Webster dirigió esta comedia de aventuras con mucho colorido, bajo presupuesto y con ausencia del sentido del ridículo.

Los disfraces de los marcianos y los pobres escenarios generan carcajadas. El robot de cartón y papel de aluminio era la imagen del futuro para las mentes infantiles de comienzos de los 60.

Hay que calibrar esta película desde la perspectiva del relato por encima de los medios empleados. El tema extraterrestre era muy popular en la época y la idea de unos marcianos secuestrando a Papá Noel no resultaba descabellada para el público infantil.

El desenlace final es una muestra de unión entre niños de dos planetas diferentes: Concordia y tolerancia. Papá Noel es un símbolo de amor que traspasa culturas e incluso planetas, como es el relato de la película que nos ocupa. Un sentido abstracto del cariño unido a los juguetes. Papá Noel no pierde el encanto de lo sensible, incluso cuando es encañonado con una pistola marciana; aunque parezca un secador de pelo.

Portada del DVD.

Tiene una banda sonora magnífica que se impone a la película. Un gran tema pop con estribillo pegadizo que no deja indiferente a nadie.

Considerada una de las peores películas de todos los tiempos sobrevive gracias a su humor y al buen hacer de sus actores.

Posee una estética que trata el tema científico y futurista desde una mirada infantil. Objetos pobres y de mala factura que hacen reír.

Como anécdota: La actriz y cantante Pia Zadora, tuvo su primer papel interpretando a una niña marciana ( llamada, “Girmar”) en esta película.

Para la navidad del 2011 ha sido la película elegida por el prestigioso Teatro Castro de San Francisco (EE.UU) para visionarla en su programación navideña.

A continuación el tráiler y el enlace de la canción principal de la película:

Los amantes de la noche.

2011-12-18T18:13:00.000+01:00

Cartel original de la película junto al cartel en castellano.

Dura 95 minutos. Fue estrenada en 1948 en los EE.UU. En España no llegó a estrenarse.

Por Antonio Fernández Munárriz.

El título en castellano procede del título puesto en Francia y traducido al castellano del francés. El título original es “They live by night”, más acorde al argumento de la película.

Fue la primera película de Nicholas Ray, que dirigió y escribió el guión basado en una novela que retrataba la dura vida en los años 30 como consecuencia de la crisis y depresión económica que atravesó EE.UU.

Ambientada en esa época nos recuerda a las historias de John Dillinger, Bonnie y Clyde; entre otros famosos delincuentes de la época. Un retrato del bandolerismo en ese país.

Nicholas Ray venía del teatro y de haber colaborado con los servicios de propaganda durante la II Guerra Mundial. Con este escaso bagaje consiguió un resultado excepcional con esta película.

Sin estrellas pero contando con la mejor interpretación de sus carreras, tanto de Cathy O´Donnell como de Farley Granger; articuló un mensaje dramático que podemos ver sus influencias a través del cine de Jean-Luc Godard. Nicholas Ray fue redescubierto y valorado en tiempos de la Nouvelle vague (Nueva ola) gracias a la crítica francesa y a la revista Cahiers du Cinema.

“Los amantes de la noche” fue una película de bajo presupuesto que contó como novedad con la utilización de un helicóptero para rodar varias escenas. Algo inusual en este tipo de producciones.

Fue estrenada en 1948 pero la película fue terminada de rodar y montar dos años antes. La distribuidora la guardó durante dos años con la intención de disponer de un fondo de películas en reserva. En aquellos años, en las largas sesiones en los cines, se intercalaban cintas con distintos presupuestos, temas y duración para llenar la programación. Era común que los espectadores vieran más de una película cada vez que acudían a un cine.

Una historia de esperanza perdida.

La historia gira en torno a la huida de una prisión, enamoramiento y destino fatal de un delincuente juvenil y su banda.

La falta de esperanza y la ilusión de crear una familia, dejar la delincuencia e integrarse en la sociedad; se estrella contra la realidad: Persecución y un destino que no puede abandonar.

Una sociedad empobrecida que está sumida en una fuerte crisis económica da pocas alternativas para cambiar de vida.

Vemos en este retrato de la delincuencia las bases del desencanto de “Rebelde sin causa”, protagonizada por Natalie Wood y James Dean. Nicholas Ray refleja en su cine la transformación social. Testigo de los cambios en la sociedad.

La noche y la oscuridad están presentes en la cinta debido al dramatismo de las escenas y como recurso barato en las películas de bajo presupuesto.

La noche marca las huidas, accidentes y viajes. Un túnel oscuro en el que los protagonistas nunca llegan a ver la luz de su final.

Un drama amargo donde el odio y el mal vencen al amor.

La película fue visionada en la Filmoteca de Cantabria (el 7 de Diciembre) contando para la presentación y coloquio posterior con el crítico de cine, Miguel Marías.

Portada del DVD.

En el número 14-15 de Diciembre del 2011, la revista Shangrila dedica un cuidadoso y voluminoso estudio a Nicholas Ray. Para más información y poder adquirirlo, esta es su dirección:

http://shangrilaedicionesblog.blogspot.com/

La Strada.

2011-12-11T22:31:00.000+01:00

Dura 108 minutos. Es una película italiana de 1954.

Por Antonio Fernández Munárriz.

Su director es Federico Fellini. Consiguió un Oscar con esta película en 1957 y un León de Plata en el Festival de Venecia de 1954.

Protagonizada por Anthony Quinn y Giulietta Masina, esposa del director.

Anthony Quinn interpreta a Zampanó, un forzudo de circo que repite una y otra vez el mismo espectáculo. Circos pobres en un ambiente de miseria en la posguerra italiana.

Zampanó enviuda y compra a la hermana de su anterior compañera, Gelsomina. Desarraigo y vida dura que retrató el neorrealismo. Un momento de la historia de Italia donde se contó la vida desde la óptica de lo cotidiano. Un documental enriquecido con la ficción.

Zampanó (Anthony Quinn) es un bruto que no valora a la dulce e inocente Gelsomina (Giulietta Masina). Ella se convierte en su ayudante, aprende incluso a tocar música. Con la intensidad de la emoción Gelsomina descubre el mundo a través del deambular por la Italia rural. Frente a su pareja, Gelsomina es capaz de progresar.

El mar la recuerda a la pobre casa donde se crió. Un viejo motocarro ahora es su hogar. Frente a la vida en permanente aventura está presente el camino hacia el crimen y la locura.

Hay un componente moral. Es la clave de la ficción. El personaje del bruto (Zampanó) consigue, por fin, la conciencia al final de la cinta.

La crudeza de lo cotidiano.

L´apollonide.

2011-12-05T16:25:00.000+01:00

Es del 2011. Dura 122 minutos y es una película francesa.

Por Antonio Fernández Munárriz.

Su director es Bertrand Bonello. Su anterior trabajo fue “De la guerre” (2008), también toca el tema de la deriva sentimental: La búsqueda del placer, como en L´apollonide.

El título hace referencia a un famoso burdel parisino de finales del siglo XIX y principios del XX.

Retrata a la burguesía en una sociedad hipócrita. Un retrato coral en una película de época.

Un trabajo de investigación sobre el día a día en un lupanar de hace más de 100 años. Largas escenas sobre la vida de un prostíbulo para la clase alta. Desde el trato con los clientes hasta la higiene femenina está presente. Las desviaciones sexuales están retratadas con el comportamiento sadomasoquista que provoca una desfiguración del rostro, hecha con una navaja, a una de estas mujeres: Una sonrisa con dos enormes cicatrices.

Recluidas en una elegante casa son prisioneras del placer. Esclavas de la lujuria de los demás, llenas de deudas, que ven como única salida la resignación o el intento de contraer matrimonio con alguno de los clientes para huir de este gueto del sexo. Una visita fugaz al campo, todas juntas y vigiladas por la madame una vez a la semana, es todo su tiempo de asueto y diversión.

La particularidad de los actores que visitan el burdel está en que son cineastas franceses. Incluso el propio Bertrand Bonello aparece en una orgía decadente, junto a una mujer enana, como un cliente más.

La música actual que se intercala en bailes y en la ambientación del burdel es un anacronismo buscado que sorprende al espectador.

Hay referencias al caso Dreyfus. Un caso de antisemitismo dentro del ejército francés de la época y que fue todo un escándalo. Émile Zola escribió en un diario, en 1898, el artículo “Yo acuso” (denunciando públicamente este caso de antisemitismo) dirigido al Presidente de la República. El escritor tuvo que pasar un tiempo exiliado en Londres.

El director también es el autor del guión. Es una película sin mensaje y un retrato del fin de una época. Nos damos cuenta al final de la película.

Un relato con lirismo y metáforas: Lagrimas de esperma, lupanar y desnudez.

Es la imagen de la actualidad de lo inactual.

Estrenada en el Festival de Cannes y recientemente en España, en el Festival Internacional de Cine de Gijón. Casi al mismo tiempo que en la Filmoteca de Cantabria.

Repulsión.

2011-11-27T20:15:00.000+01:00

Por Antonio Fernández Munárriz.

Una película inglesa de 1965 dirigida por Roman Polanski. Dura 104 minutos.

Catherine Deneuve interpreta a una joven manicura de clase baja en un centro de estética para mujeres de la clase alta londinense. Vive rodeada de mujeres permanentemente, también en un piso que comparte con su hermana. Incluso es vecina de un convento de monjas.

Su relación con los hombres existe a través de un joven que intenta seducirla, el obrero de la construcción que la piropea y el novio de su hermana. Este último, es un hombre casado.

El conjunto constituye un fresco poderoso de ideas sobre la disfunción sexual. Carol (Catherine Deneuve) no soporta la presencia de los hombres. Poco a poco va sintiendo cada vez más asco. Un trastorno que la encierra en sí misma y en su casa. Aislada y sin un redentor, su locura va en aumento cometiendo asesinatos.

Las campanas y voces que se escuchan desde el convento distorsiona, aún más, la perspectiva de la mente de Carol. Sufre alucinaciones. Las imágenes de su mente se mezclan con las de la realidad: Cine surrealista.

Tres influencias:

La influencia de Alfred Hitchcock, a través de “Psicosis” (1960). La influencia de Luis Buñuel, a través de “Un perro andaluz” (1929), “La edad de oro” (1930), “El ángel exterminador” (1962) y la de Charles Chaplin con su personaje, Charlot.

El primero con su visión del misterio y la locura. El segundo con las imágenes de putrefacción, la navaja, sonido de campanas, diferenciación social y degradación moral y el tercero con una escena donde una amiga imita al vagabundo interpretado por Charlot.

Un compendio de planos de gran maestro nos introducen en la mente de esta desdichada. La ficción de la locura permite conocer mejor al personaje que se despide con una foto de familia, con mirada ausente. Un final que sirvió de influencia para “El Resplandor” (1980), de Stanley Kubrick.

Una forma de mirar que está presente en toda la película: La locura.

Pulgasarí, de Shing Sang-ok.

2011-11-20T22:10:00.000+01:00

Por Antonio Fernández Munárriz.

Dura 95 minutos. De 1985 y es de Corea del Norte.

Los efectos especiales fueron realizados por los estudios Toho de Japón: Los creadores de Godzilla. La podemos encontrar subtitulada en inglés.

Es la primera película que vi realizada en la República Popular Democrática de Corea. Me cautivó y me abrió la puerta de un cine desconocido y de gran calidad. Después de un visionado general de su cine y ante la escasa (y poco de fiar) información que existe, me animó a escribir un libro que sirve de guía: “El cine de Corea del Norte. Introducción al cine realizado en la República Popular Democrática de Corea”.

La guerra de propaganda entre las dos Coreas contribuye a distorsionar la historia y las noticias. El cine es otra víctima más de este conflicto aún sin resolver.

Una historia con mirada política.

La película está ambientada en la etapa medieval de Corea donde un Rey y la aristocracia tienen sometido al pueblo. Los campesinos sufren todo tipo de humillaciones y en la práctica son esclavos de sus amos. Una clase social minoritaria y privilegiada formada por guerreros y terratenientes.

Un preso, con un puñado de arroz, moldea un pequeño muñeco. Un poco de sangre lo mancha y cobra vida.

Es una metáfora de la Revolución y de la lucha de clases. Idea presente en las producciones de Corea del Norte (la sangre del pueblo oprimido es el germen de la Revolución).

Un mensaje claro en el cine de Corea del Norte: La respuesta ante el capitalismo siempre es la Revolución.

El pequeño monstruo se alimenta de hierro. Crece hasta convertirse en un ser espectacularmente grande y fuerte. Al servicio de los campesinos se enfrenta a los poderosos y vence. Lanzas, cañones e incluso misiles no pueden acabar con él. Se convierte en la vanguardia del proletariado.

Una referencia: La Revolución Rusa.

Pulgasarí es el símil del crucero Aurora. Desde este barco, con su tripulación amotinada, se lanzó el cañonazo que señaló el inicio al asalto del Palacio de Invierno en San Petersburgo. El triunfo de los Bolcheviques en la Rusia de 1917.

El barco también era un gran monstruo de acero, como Pulgasarí. La toma del Palacio de Invierno está ejemplificada en la destrucción de las maquetas de palacios y fortificaciones, en la película.

Visiones de Pulgasarí.

El Presidente del país, Kim Jong Il es un apasionado del cine y participa activamente en las producciones de su país. En esta película fue su productor y es conocido su gusto por las películas de monstruos. Parafraseando una de sus máximas sobre el cine, pues también ha escrito libros sobre la técnica cinematográfica: “El arte en general debe ajustarse a la esencia del socialismo para contribuir a la Revolución”.

“Pulgasarí” se puede ver también de un modo alejado de planteamientos políticos. De esta forma disfrutamos de una nueva versión de Godzilla y siguiendo la crítica general, coincido en destacarla por encima de las películas del monstruo japonés.

Pulgasarí es una película dirigida al público adulto. Con temas comunes en el género pero con un planteamiento más serio y mejor construida. Si en Godzilla hay altos y bajos con partes soporíferas, narración lenta e infantil; esto no ocurre con Pulgasarí. La tensión y la historia mantiene un nivel uniforme.

Como anécdota está la historia de su director Shing Sang-ok (fallecido en el 2006) y su relación con esta película y otras producciones de Corea del Norte. En una guerra de propaganda con su vecino del sur surgió la historia de su secuestro y el de su esposa por parte de un comando de Corea del Norte con el objeto de dirigir películas en el norte y su esposa de interpretarlas, puesto que es actriz.

Este hecho siempre ha sido desmentido por el gobierno del norte.

De la mano de Pulgasarí es la mejor manera de introducirse en un cine de calidad y prácticamente desconocido en occidente pues no es distribuido y rara vez se presenta en Festivales de Europa.

Attack, de Robert Aldrich.

2011-11-14T01:03:00.000+01:00

A la izquierda la portada del DVD y a la derecha el cartel original de la película.

Por Antonio Fernández Munárriz.

Director de otro clásico del cine bélico “Doce del Patíbulo”. “Ataque”, a diferencia de “Doce del Patíbulo”, carece de humor y se vuelve acida y oscura hasta su final. Una visión de la vida militar que entronca con “Senderos de Gloria”, de Stanley Kubrick. Donde la injusticia, los mandos necios e inhumanos y la dura vida del campo de batalla es la tónica general en el estamento militar.

Interpretada por los duros Jack Palance y Lee Marvin, nos introducen en un campo de batalla de una Europa bajo la bota nazi.

La historia: El valor.

Un mando cobarde sacrifica la vida de unos soldados por no arriesgar él la suya. Lee Marvin interpreta a un casi inhumano oficial que mira para otro lado con la intención de conseguir regalías y favores en la futura vida civil, gracias a la influyente familia de este oficial cobarde.

Jack Palance es un heroico soldado que se rebela contra sus oficiales hasta el punto de poner en peligro su vida por defender la de su tropa.

Escenas trepidantes de acción con batalla incluida.

Nos encontramos con finos detalles en la trama para no convertir la historia en una moraleja ni una fabula moral.

El rango de la sinrazón tiene un antes y un después en la actitud de un ejército que sacrifica a sus mejores hombres con mandos incompetentes. La película no pone en cuestión al ejercito. No es una película pacifista. No pretende moralizar y se limita a contar una historia de heroísmo con un final edulcorado. Los EE.UU estaban inmersos en aquella época en la Guerra Fría y hacía tres años que había finalizado la Guerra de Corea, donde EE.UU se había enfrentado al bloque socialista.

La visión de la guerra.

Una película imprescindible dentro del género bélico. Rodada en blanco y negro que acerca muchas escenas al género documental. Primeros planos de sufrimiento que introducen al espectador en la batalla. Interpretaciones cuidadas con papeles secundarios elaborados y que dan sentido a la historia.

Dura 103 minutos, se estrenó en 1956 y la música es de Frank De Vol. Además de director de orquesta y compositor fue actor. Con Robert Aldrich puso la música a “El vuelo del Fénix” (1965) y “Doce del Patíbulo” (1967).

Los amos de Brooklyn.

2011-11-08T18:59:00.000+01:00

Por Antonio Fernández Munárriz.

Del 2010. Dura 132 minutos y es de EE.UU.

Dirigida por Antoine Fuqua. Dirigió a Chow Yun-Fat junto a Mira Sorvino en otra película de acción, “Asesinos de reemplazo” (1998). Esta fue la primera película en Hollywood de Chow Yun-Fat después de triunfar en el cine de acción de Hong Kong.

Su pareja es la actriz Lela Rochon, quién ha participado en películas y series de televisión desde adolescente.

El guionista es el principiante Michael C. Martin. Alejado del mundo del cine presentó un guión a un concurso para ganarse un dinero extra mientras estaba convaleciente tras sufrir un accidente de tráfico. Aquí comienza su carrera como guionista y novelista. Es de Nueva York y trabajaba en el departamento de tránsito de la ciudad.

Tanto director y guionista son afroamericanos con una visión de la América pobre que lo aleja de pragmatismos y sermones.

La música es de Marcelo Zarvos, joven compositor brasileño para cine y televisión. Mezcla de jazz, música electrónica y rap que profundiza en la visión dramática de la película.

Destaca Richard Gere interpretando a un policía veterano llamado Eddie Dugan. Wesley Snipes interpreta a un narcotraficante llamado Caz y Don Cheadle es el policía infiltrado en una organización criminal con la única meta de ascender a detective. Ethan Hawke (Sal Procida, en la película) se recrea con un personaje atormentado: Es un policía con profundas convicciones religiosas que debe de saltarse sus creencias para ayudar a su familia. En la película es el marido de Lili Taylor. Una actriz del cine independiente americano conocida en España por su participación en la película de Isabel Coixet, “Cosas que nunca te dije” (1997).

Los actores son de primer nivel:

Don Cheadle es un actor que ha contribuido en dar a conocer la guerra en Sudán, el llamado “Conflicto de Darfur”, y ha trabajado para conseguir que Sudan del Sur consiga su independencia.

Wesley Snipes ha conseguido reencontrarse con el público en un papel hecho a su medida después de los fiascos de anteriores producciones.

Ethan Hawke ya ha estado a punto de conseguir dos Oscar como actor y escritor de un guión, pues también es director de cine y novelista. Pareja de Uma Thurman, actriz de referencia en el cine de Tarantino.

Richard Gere se adapta a su edad y sigue conservando su aire de seductor.

Un elenco de actores que junto a estupendos secundarios consiguen dar a esta película de acción y melodrama un salto de 180 grados sobre otros thrillers.

La película retrata la vida en un populoso barrio de viviendas sociales de Brooklyn, Nueva York. La calle es un campo de batalla donde hay emoción, mucho odio y muerte.

El racismo es una constante. Sus habitantes son mayoritariamente de raza negra, pobres y marginados. La policía y los pequeños comerciantes se convierten en la representación de la América que nunca podrán ser: La clase media.

Unos son los enemigos y los otros las víctimas del rencor. Todos sufren violencia. Desde esta perspectiva el ambiente es irrespirable y solo la droga es la válvula de escape para los que no tienen futuro. En esta sociedad sin referencias éticas los narcotraficantes se convierten en personas respetables y temidas. Las relaciones sociales de la gente del barrio nos recuerdan al western: Personajes cínicos y marginales con nulo respeto por la vida humana.

Los policías son personas con problemas de adaptación. La violencia les afecta y les deprime. Asumen su derrota y la de la ley. La cámara se convierte en testigo de su desquiciada existencia. Eddie Dugan (Richard Gere) a falta de escasos días para jubilarse se despierta bebiendo alcohol y disparándose en la boca con una pistola descargada. Es un inadaptado que ha encontrado el amor a través de una prostituta.

La narrativa de esta película violenta retrata la expresión narcisista de los personajes. Hablan del vacío de su existencia, falta de amor y reconocimiento. Los problemas psicológicos son una constante.

Jugarse la vida en una calle de una gran ciudad hace predominar el lirismo y la poesía en las imágenes. Estando en su país, la policía se comporta como fuerza de ocupación. Incluso un policía novato muere en un tiroteo después de haber pasado por un cuerpo militar de élite, como son los Marines.

La fuerza expresiva y crueldad de los asesinatos forman parte de la mitología de la violencia pero en esta película está relacionada con una metáfora: La clase media en crisis de legitimidad y casi destruida representa a los policías como una caricatura. Los policías no están bien pagados y cometen o planifican crímenes y robos.

La polarización de la sociedad americana entre ricos y pobres asfixia a un cuerpo de policía que está al borde de la corrupción generalizada por conseguir un sueldo digno con el que salir adelante y procurarse una jubilación tras su paso por el servicio público.

El retrato de la bondad existe a título individual. Está generalizado mirar para otro lado: Un egoísmo que mantiene el circulo vicioso de la desigualdad.

La herencia de una sociedad que deja a una parte de la población en la cuneta es desoladora: Un barrio marginal. Sin educación, trabajo y futuro las medidas represivas se estrellan contra la realidad. La estrategia de mano dura contra el tráfico de drogas degenera en una guerra que se cobra víctimas inocentes y crea una inseguridad angustiosa en las calles.

La democracia y la tolerancia se paralizan creando un estado policial. La película plantea la encrucijada de la derrota patética del orden.

Es una película comercial que a diferencia de otras intenta analizar las causas de la pobreza y la exclusión social, enlazándolas con el crimen y su persecución.

Elude la estética de videoclip y alienta la seriedad del montaje por encima de los fuegos de artificio habituales en estas producciones.

Contactos, de Paulino Viota.

2011-11-04T14:56:00.000+01:00

Por Antonio Fernández Munárriz.

Es de 1970. España. Dura 64 minutos y es una nueva copia restaurada.

El 2 de Noviembre del 2011 la Filmoteca de Cantabria proyectó “Contactos”, contando para la presentación con Paulino Viota y Santos Zunzunegui; sus autores. Presentaron la película y participaron en un coloquio con los espectadores.

Paulino Viota es un cineasta santanderino admirador del cine de Jean-Luc Godard. En 1970 rueda un mediometraje llamado “Contactos”.

Con pocos medios y compartiendo la autoría del guión con el actual catedrático de la Universidad del País Vasco y crítico de cine, Santos Zunzunegui; ha conseguido pasar a la posteridad como un referente en el cine underground español.

“Contactos” choca con los valores establecidos y formas cinematográficas de la época además de tratar sutilmente la realidad social y el antifranquismo.

La confusión de las películas de Godard lo vemos en “Contactos”. El modo personal de filmar, los repetitivos movimientos de cámara con las escenas intimistas y de larga duración dan sentido a la película por encima de la narración convencional.

Si la forma del cine de Godard se desnaturaliza con los movimientos de la cámara, también lo encontramos en esta película de Paulino Viota. El director comentó que se inspiró en la obra de Oteiza. Igual que en su escultura, el vacio crea recogimiento.

También director de “Con uñas y dientes” y “Cuerpo a cuerpo”, consiguió con “Contactos” sorprender, igual que sigue sorprendiendo hoy día.

La protagonista, Tina; es la actriz Guadalupe González Güemes, esposa del director, que estuvo acompañada por amigos y aficionados a la interpretación en esta película.

Como anécdota, el montaje se realizó en casa del popular ilusionista, Juan Tamariz; también alumno en la Escuela Oficial de Cinematografía de Madrid (EOC), pues era el único de los alumnos que tenia medios técnicos para rodar, editar y montar una película.

Gianni y sus mujeres.

2011-11-03T16:42:00.000+01:00

Por Antonio Fernández Munárriz.

Una película del 2011. Dura 90 minutos y es una comedia italiana.

Escrita, dirigida e interpretada por Gianni Di Gregorio.

Es una comedia ambientada en Roma. Gianni es un prejubilado que se ocupa de hacer recados, pasear al perro y visitar a su anciana madre que vive en una gran casa. La vida familiar de Gianni (interpretado por Gianni Di Gregorio) genera situaciones cómicas. Su vida gira entre mujeres: Esposa, hija, vecina, madre y otras mujeres; anónimas y amigas.

Es una continuación de “Vacaciones de Ferragosto” (2008), incluyendo el mismo tipo de papel para la actriz que interpreta a su madre en estas dos películas, Valeria De Franciscis Bendoni.

Es un tipo de humor sarcástico que huye del chiste y la burla.

Secuencias largas sobre la cotidianidad de la vida. El carácter de la película trata sobre la libertad. La libre elección en la vida que está sujeto a las personas que nos rodean. Los personajes carecen de orientación en una discordia de sentimientos que van desde el deseo a la amistad. La naturaleza común del ser humano es la bondad, no existe el rencor y la película gira en torno a la mansedumbre y la tranquilidad.

Gianni representa el aguante que da la esperanza. Ofrece su vida a los demás por un poco de atención. Es un romántico.

Gianni Di Gregorio fue el coautor del guión de “Gomorra”, una película que trata el tema del crimen organizado en la Italia actual. Basada en una novela de Roberto Saviano. La película gano el Gran Premio del Festival de Cannes del 2008.

“Gianni y sus mujeres” fue nominada a los premios David Di Donatello en el 2011. Son unos galardones de prestigio en Italia, de la Academia del Cine Italiano. El premio consiste en una reproducción de la estatua homónima.

Crítica del corto: “Ay, Pavloba”.

2011-11-01T14:58:00.000+01:00

Crítica

Ay, Pavloba

Por Antonio Fernández Munárriz.

Cuando oímos la palabra sueño, la imagen la asociamos rápidamente a vida pasada, futura o lo que es peor: Una pesadilla.

Este cortometraje nos introduce a ese mundo de Morfeo con una historia de amor.

Freud y el sueño. Freud y la influencia de Dostoievsky están presentes en la cita del comienzo.

Su director, estudiante de psicología, deja clara esa impronta por entender el alma humana de mano de la frase: “¿Qué puede ser más inverosímil que la realidad?”.

Cuando vemos un corto nos acercamos a las influencias de sus autores. Manuel Menchaca (autor de la idea original y colaborador en el guión junto a su director) nos trae el recuerdo de “Atrapado en el tiempo”, de 1993; dirigida por Harold Ramis e interpretada por Bill Murray y Chris Elliott.

De este último recuerdo sus episodios de la serie de televisión, “Búscate la vida”(1990); donde este tema era recurrente en varios de sus capítulos.

Es de obligada referencia los cómics de la editorial E. C. “La Cripta del Terror”: Una serie de relatos donde las pesadillas y cualquier miedo cotidiano tomaba forma con las más disparatadas historias.

Su director, Fernando Sánchez, utiliza las imágenes en blanco y negro para acercarnos a la oscuridad del sueño. Autor de otros cortos, como “Los Partyculares”, compartiendo protagonistas y localizaciones en Torrelavega.

Todo empieza en el lecho de amor de una pareja de enamorados. Fer, Alberto García, interpreta a un joven de clase media con una rutina basada en el trabajo y en cultivar la convivencia con Pavloba, su novia.

La santanderina, Esther Lastra, interpreta a una Pavloba llena de emotividad. Da credibilidad al relato. Nos enamora. Aficionada al teatro desde niña y profesora de interpretación, consigue atrapar al espectador con su acento eslavo y una prosa fresca que nos convence.

Alberto García, Fer, es el personaje que contiene el apunte humorístico de la historia por medio de su peripecia sentimental. Elimina el moralismo para centrar al espectador en la furia y el melodrama.

La historia de amor se repite una y otra vez, y con la interpretación naturalista nos aleja del chiste.

Los dos protagonistas dan sentido a la historia por encima del guión. Un guión que se convierte en un apunte. Priman las imágenes y la música, el montaje y el blanco y negro. Los trucos del guión nos hacen ver a los cineastas que no solo hacen cine, sino que piensan en el cine. También es destacable el papel secundario de Sandra Bolado, como invitada a la cena. Una interpretación que está llena de entusiasmo, encandila y da valor a la reprimida y violenta escena de la cena.

La taza rota, con la que comienza cada relato. El hombre con el pan debajo del brazo. La cena y sus invitados: Es la formación plástica de la técnica cinematográfica bien dibujada de una película.

El acompañamiento musical austero de Alberto García, actor y músico, llena la atmósfera de un intercambio de sentimientos. Es la parte memorialista de un corto que habla del amor. La fotografía de Alberto Lavín; la iluminación y el sonido de Jorge Monge y Álvaro Zubizarreta, hacen del corto un ameno y exhaustivo estudio estructurado de las fases del enamoramiento. Incluso el guiño al cine mudo está presente con su acelerado montaje, en un momento de esta película de corta duración. Un montaje de Felipe Gómez-Ullate.

Una cosa que no se puede pasar por alto, como torrelaveguense, es que ha sido rodada en mi ciudad. El hombre con el pan debajo del brazo y que es visto desde la ventana por Fer, pasea una y otra vez por la Avenida de España. Al final del corto, Fer aparece sentado con apariencia triste en un halo transfigurado de soledad en un banco del Auditorio Municipal.

Es de agradecer estos homenajes a nuestra ciudad por encima del cosmopolitismo de otras. Al final, podemos disfrutar de cualquier historia por encima de las localizaciones exóticas o aventureras.

Es un cortometraje imprescindible para todos aquellos que dudan en ponerse en frente de un proyecto de estas características.

En esta comedia humana que es contar historias es un ejemplo de seriedad, contención, afición y conocimiento de la escritura cinematográfica.

http://aypavlobacorto.blogspot.com/

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Los Económicamente Débiles.

2011-11-01T01:53:00.000+01:00

Ante la situación económica actual y los problemas por los que pasan muchos Clubes de fútbol me permito recomendar una película que cuenta un tema candente: La financiación de los Clubes de fútbol.

Una película de otra época pero que enlaza, desgraciadamente, con la actual.

Los Económicamente Débiles.

Una comedia de 1960 que dura 88 minutos.

Por Antonio Fernández Munárriz.

Su director es Pedro Lazaga. Fue un director y guionista clave en el cine español desde los años 40 hasta los 70, cuando fallece.

Director de clásicos como “Sor Citroën” y las populares comedias interpretadas por el cómico, Paco Martínez Soria. Retratos de una época dura que ponían sonrisas en el día a día de una España atrasada.

El guión es de Rafael García Serrano y de José Luis Dibildos.

Rafael García Serrano fue un escritor y periodista ligado a la prensa de la dictadura (la llamada prensa del Movimiento Falangista). Es el padre del controvertido periodista del canal de televisión Intereconomia, Eduardo García Serrano (ex redactor del Diario Alcázar, prensa que durante la transición era nostálgica del régimen de Franco).

José Luis Dibildos es un productor y guionista imprescindible del cine español. Marido de Laura Valenzuela, actriz en esta película.

El resto del estupendo elenco de actores lo encabeza Tony Leblanc, actor y humorista rescatado del olvido para el público actual gracias a la saga de “Torrente”, de Santiago Segura. De joven fue delantero del equipo de su barrio, Carabanchel; en la Tercera División.

Le siguen los inmortales, Antonio Ozores y José Luis López Vázquez.

Maruja Bustos trabajó con Pedro Lazaga en “Aprendiendo a morir”(1963), entre otras. Película interpretada por el torero, Manuel Benítez “el Cordobés” y basada en la propia vida del matador de toros.

Venancio Muro fue durante toda su vida un cómico del genero de la Revista. Actor cómico secundario en muchas películas como en “Las Ibéricas F. C” (1971), de Pedro Masó. Película que contaba la historia de machismo en clave de comedia de un Club de fútbol femenino.

Julio Riscal, actor fallecido en el 2008 y un imprescindible secundario del cine español encarnando papeles de galán cómico. Su última aparición ante las cámaras fue en televisión, en la serie “Cuéntame”.

Jesús Puente, actor y presentador de televisión y radio cierra este elenco de estupendos actores.

Enredos amorosos, historias de picaros y el retrato de una época de dificultades nos introducen en la risa. Válvula de escape para una sociedad que vivía al día y estaba dirigida con mano de hierro.

El Casa Mata Fútbol Club necesita ascender. Sin recursos, Antonio Ozores (Paco) y Tony Leblanc (Pepe) convencen a un adinerado para que entre en la directiva del Club, José Luis López Vázquez (Javier).

En una parte de la trama nos encontramos a un duro examinador, Jesús Puente. La escuela de entrenadores se convierte en una continuidad de situaciones cómicas.

Es una película que no pasará a la historia. Muchas veces, como sucedía en esa época, está anclada en un conformismo social. Si huimos de prejuicios y nos centramos en la comedia, resulta divertida. No hubo en España un realismo cinematográfico como en Italia debido a la censura y a realizadores afines o temerosos con la dictadura, pero el retrato de la picaresca es lo más aproximado que tenemos.

No se trata de una película imprescindible pero retrata a una sociedad que comienza a obsesionarse con el fútbol. Pan y circo impulsado por el régimen.

Una comedia de hace 50 años que nos parece que han pasado dos siglos, o quizá no.

El Testamento Nuevo, de Sacha Guitry.

2011-11-01T01:49:00.000+01:00

Por Antonio Fernández Munárriz.

Dirigida, interpretada y con guión de Sacha Guitry.

Escritor de obras de teatro y cineasta con toda la extensión de esta palabra. Actor en todas sus películas.

Hijo de un actor de comedia que consiguió llevar el género a las más altas cotas de sofisticación.

El Nuevo Testamento es una adaptación teatral. Una comedia interpretada por Sacha Guitry(el doctor Marcelin), Jacqueline Delubac(Juliette Lecourtois), Betty Daussmond(Lucie Marcelin), Marguerite Templey(Madame Worms), Pauline Carton(Mademoiselle Morot), Christian Gérard(Fernand Worms), Charles Dechamps(Monsieur Worms), Louis Kerly( el criado).

Dura 85 minutos y fue estrenada en 1936.

Jacqueline Delubac interpreta a la nueva secretaria del Doctor, Sacha Guitry. En la vida real fue la tercera esposa de Sacha llegando a interpretar 11 películas del cineasta.

Betty Daussmond interpreta a la mujer adultera de Sacha. Es una veterana actriz francesa que comenzó su larga carrera ante las cámaras con el mismo origen del celuloide, en 1910.

Pauline Carton interpreta a la secretaria que se despide de la consulta del doctor para ser profesora de inglés.

Christian Gérard interpreta al amante de la esposa de Sacha.

Marguerite Templey y Charles Dechamps interpretan a la pareja amigos de Sacha y su esposa, padres del amante de Betty Daussmond(Lucie Marcelin). Louis Kerly interpreta al nuevo criado del doctor.

El elenco de actores está presente en muchas películas del cine de entreguerras francés.

Una historia: La mentira.

La película es una tormenta de engaños donde la mentira y la hipocresía se esfuerzan en conseguir la sonrisa del espectador.

Los brillantes diálogos y la particular visión de la clase alta de París dan una idea de la peculiar escala de valores de la clase social privilegiada frente a la moral estricta de la época, puertas para fuera.

El tejido social de esa época se identifica en la consulta y vida diaria de un medico con fama y dinero, al servicio de aristócratas y ricos.

El permanente engaño provoca situaciones cómicas que desarrolla un precioso depósito de diálogos llenos de humor caustico. Una vocación por elevar la risa durante toda la proyección frente a la tentación de crear episodios esporádicos de humor.

Los personajes se definen a partir de la austera interpretación de Sacha Guitry. Una contención que enriquece esta comedia frente a la tentación de la teatralidad y el vodevil.

Las infidelidades de los protagonistas tienen como encuentro el nuevo testamento del médico que es leído por su esposa, amante y amigos sin el permiso del interesado.
El descubrimiento de la mentira con mayúsculas que genera situaciones al más puro sentido del misterio de Hitchcok, teniendo como cómplices a unos espectadores que son participes del engaño.

La cámara, estática, presenta la película en un decorado domestico. Toda la acción transcurre en el domicilio-consulta del doctor sin tener que echar en falta exteriores, salvo al comienzo de la película y en esporádicas ocasiones. No es teatro grabado como cine puesto que las películas de Sacha Guitry tienen personalidad propia, llena de contenidos cinematográficos de gran maestro.

Una de las mejores comedias del cine europeo.

Café Muller, de Peter Schafer.

2011-11-01T01:44:00.000+01:00

Espectáculo de danza estrenado en 1985. Grabado en la Alemania Federal. Dura 55 minutos.

Por Antonio Fernández Munárriz.

Podemos disfrutar de una de las mejores bailarinas de todos los tiempos, por desgracia ya fallecida, Pina Bausch.

En una gran estancia repleta de sillas transcurre la obra. Drama y belleza en una parsimoniosa puesta en escena que desde el comienzo crea intriga. La obra representa el drama de la vida con gestos y bailes frenéticos.

Un esplendido espectáculo de danza que cautiva a los espectadores sean o no aficionados a este arte.

Je l´ai été trois fois, una película de Sacha Guitry.

2011-11-01T01:40:00.001+01:00

“Je l´ai été trois fois” (“Han sido tres veces”), de Sacha Guitry.

Por Antonio Fernández Munárriz.

Comedia de 1952. Francia.

Dirigida, interpretada y con guión de Sacha Guitry.

Dura 81 minutos.

Se trata de una historia sobre la infidelidad de la pareja y de ahí el peculiar título. Sacha Guitry interpreta a un reconocido actor de teatro que mantiene una relación adúltera con una mujer adinerada. Su marido es engañado hasta tres veces con distintos hombres.

Aparecen caras conocidas. En un pequeño papel interpretando al secretario de un Sultán reconocemos a un joven Louis de Funes, años más tarde cómico imprescindible del cine francés interpretando a un gendarme.

En un hotel de lujo tiene un pequeño papel como ascensorista con unas breves frases incluidas, Jacques Anquetil. Como ciclista ganó cinco veces el Tour de Francia los años: 1957, 61, 62, 63 y 64. En 1952 intentaba situarse como actor.

Es original el comienzo de la cinta con una curiosa presentación de todo el elenco, incluyendo a los obreros que construyeron los decorados. La presentación se realizó en los aledaños y entrada de los Estudios de Neuilly. En coche, helicóptero, andando, transporte público, barca o calesa aparecen todas las personas que han participado en esta película.

Una película divertida y con brillantes diálogos.

“Senna”, de Asif Kapadia.

2011-11-01T01:37:00.000+01:00

Largometraje documental de 104 minutos.

Es una producción de Reino Unido, del año 2010.

Por Antonio Fernández Munárriz.

Asif Kapadia es un guionista y director inglés. Ha dirigido varias películas pero con este documental ha saltado a la fama. En Brasil y Japón, Senna fue un ídolo de masas y ha sido en estos países donde ha conseguido una gran acogida el documental. En España ha sido estrenado en cines.

Ayrton Senna da Silva fue un piloto de Fórmula 1 que falleció en un brutal accidente en el circuito de Imola(Italia), en 1994.

A finales de los años 80 y principios de los 90 su gran rival era Alain Prost. Una buena parte del documental cuenta esta dura rivalidad.

Todo el documental gira en mostrar la vida familiar, sentimental y como piloto de Senna; basado en grabaciones de la época. El cariño del público y del pueblo de Brasil por Senna se desborda en la cinta.

Un montaje frenético que crea las mismas sensaciones que una película ficción (biopic) sobre el espectador. Dramatiza la historia de la misma forma. Sin necesidad de actores nos introduce en el mundo de Senna y de la Fórmula 1 con verosimilitud.

Senna era un piloto que no solo se enfrentó a sus rivales, tuvo la valentía de plantar cara a los dueños de la Formula 1 de entonces. Su rivalidad con Prost y su interés en mejorar la seguridad de los circuitos y de los coches a favor de todos los pilotos le trajo problemas que le llegó a costar un título. Pero Senna nunca se rindió, era valiente y siempre habló y actuó con libertad mientras el resto callaba.

Con la muerte de Senna, azares del destino, la Formula 1 se tomó en serio poner la seguridad por encima del espectáculo. Tuvo que morir para que nadie más muriera.

La película: “Distancia”, de Sergio Ramírez.

2011-11-01T01:33:00.000+01:00

Por Antonio Fernández Munárriz.

El 21 de Septiembre del 2011 tuve la oportunidad de asistir a la presentación en Santander de la película “Distancia”, del director guatemalteco Sergio Ramírez; en los cines Groucho de Santander.

Dura 75 minutos y es una producción de Guatemala del 2010.

Ganadora del Festival de Toulouse 2010 (Cine en Construcción), seleccionada para el Festival de cine de San Sebastián 2011 y ha sido seleccionada para participar en el Festival Internacional de Cine FICiP (Argentina).

Cuenta la historia de un reencuentro entre un padre y una hija tras 20 años de separación.

La situación de guerra civil en el pasado de Guatemala dividió a la población en dos bandos y muchos quedaron atrapados entre ambos. Muchos campesinos, indígenas, tuvieron que huir a México; otros fueron masacrados o sufrieron secuestro, como es el caso que trata la película.

Es la historia reciente de Guatemala.

El director acudió a la presentación y comentó anécdotas del rodaje. También participaron en el coloquio con el público, posterior al visionado; el guatemalteco perteneciente a la O. N. G “Intrapaz”, Luis Mario Martínez Turcios y el torrelaveguense miembro de la O. N. G “Movimiento por la Paz”, Carlos Arribas.

La sede en Cantabria de esta O. N. G se encuentra en la C/Profesor Jiménez Díaz, 9-Bajo, de Santander. Para más información sobre esta O. N. G, esta es su dirección en internet: http://www.redciudadanaporlapaz.org/.

“Un cuento chino”. Una gran comedia argentina.

2011-11-01T01:29:00.000+01:00

El cine argentino, una vez más, se gana al público.

Por Antonio Fernández Munárriz.

El dueño de una ferretería interpretado por Ricardo Darín, solitario y gruñón, acoge a un chino (Huang Sheng Huang) que sin dinero llega a Argentina en busca de su único pariente vivo; un tío suyo.

El encuentro casual, la convivencia, la falta de comunicación entre ambos (puesto que el chino no sabe hablar castellano) y la búsqueda del pariente provocan situaciones cómicas y otras algo trágicas pero siempre se tiene presente la comedia como nexo de unión.

Ricardo Darín es un reconocido actor argentino protagonista de la oscarizada “El secreto de sus ojos” (2008).

Huang Sheng Huang, conocido en argentina como Ignacio Huang, es un actor taiwanes hijo de emigrantes residentes desde hace muchos años en Argentina. Llegó de niño y compagina su trabajo como actor y el de diseñador gráfico. Al final de la película podemos disfrutar de unos bonitos dibujos y un gran mural de este artista plástico.

El director es Sebastián Borensztein. Hijo del gran cómico argentino, Tato Bores. Tato es autor de innumerables monólogos cómicos y bastante ácidos sobre la sociedad argentina y estrella de la televisión durante muchos años. Por desgracia, ya fallecido; podemos disfrutar de sus actuaciones y monólogos gracias a youtube y otras páginas de internet.

Es una película que resalta la convivencia y la tolerancia entre razas y diferentes culturas en una sociedad como la argentina, donde la emigración desde diferentes países del mundo es el nutriente de su población.

Estrenada en el 2011. Dura 95 minutos.