El cortometraje “Oportunidad”, de Antonio Fernández Munárriz ha sido programado por la Filmoteca de Cantabria (Calle Bonifaz, 6 de Santander) para su visionado el mes de Marzo del 2012.
A continuación, la programación del cortometraje (fecha, hora y película que le acompaña):
Miércoles 7 de Marzo 2012.
20:00h. Cortometraje. “Oportunidad” de Antonio Fernández Munárriz, 2’37 min.
“Mientras N. York duerme “de Fritz Lang 100. V.O ingles.
Jueves 8 de Marzo 2012.
20:00h. Cortometraje. “Oportunidad” de Antonio Fernández Munárriz, 2’37 min.
“Más allá de la duda” de Fritz Lang 80 min. V.O ingles.
Jueves 15 de Marzo 2012.
20:00h. Cortometraje.” Oportunidad” de Antonio Fernández Munárriz, 2’37 min.
“Gentleman Jim” de Raoul Walsh 104 min. V.O en ingles.
Una comedia musical americana de 1979. Producida por Roger Corman. Dura 93 minutos.
Por Antonio Fernández Munárriz.
Roger Corman fue un productor y director de películas de bajo presupuesto. Recordado por las adaptaciones de historias de Edgar Allan Poe, como “El cuervo” (1963). Dio trabajo a actores que ya no eran aceptados en grandes producciones, como Vincent Price. En sus películas daba oportunidad a jóvenes y desconocidos talentos como Jack Nicholson y a directores que más tarde hicieron historia: Francis Ford Coppola, entre otros.
Detalle del cartel de la película.Aparecen Los Ramones,P.J.Soles y Dick Miller.
En 1970 creó la compañía “New World Pictures”, con la que produjo esta película. A comienzos de los años 80 la vendió y tras distintas vicisitudes terminó siendo absorbida por el canal de televisión americano FOX. Roger Corman comenzó una nueva etapa con la productora “New Horizon Films”. Esta película fue dirigida por Allan Arkush. En otras cintas fue ayudante de dirección del director y productor, Joe Dante; el director de "Gremlins" (1984).
Un grupo con una música, estética inconfundible y copiada: Los Ramones.
Los Ramones es un grupo de punk-rock mítico. Comenzaron su carrera musical a principios de los años 70 y esta película les supuso una gran promoción.
Ambientada en un instituto: Una comedia gamberra.
Hay una dimensión mundial en su argumento: A los jóvenes les gusta la música rock y Los Ramones en particular. Toda la iconografía en este tipo de comedias está presente. En esta alocada comedia musical para adolescentes entran todos los temas recurrentes en este tipo de producciones: Alumnos empollones, otros gamberros, profesores duros e intransigentes, bromas, humillaciones, chicas y chicos que explotan su imagen más sensual y sobre todo la música de Los Ramones. Una película hecha para su lucimiento y promoción.
Portada del DVD.
Los protagonistas: Los Ramones.
Pamela Jayne Hardon, con el nombre artístico de P. J. Soles interpreta a la fan Número 1 de Los Ramones. Antes del estreno de esta película se casó con el actor Dennis Quaid, del que se divorciaría posteriormente. Tiene un pequeño papel un habitual en las películas de serie B, Dick Miller; un habitual en las producciones de Roger Corman y recordado por el papel en "Gremlins" (1984) definiendo en la película el nombre de los pequeños monstruos.
Por supuesto, aparecen Los Ramones.
La amistad, la solidaridad, rebeldía y el amor; unidos con la música.
Película-documental alemán y sueco rodado en Nueva York que dura 91 minutos. Es de 1980.
Por Antonio Fernández Munárriz.
La dirige Wim Wenders junto a un Nicholas Ray agónico. Una dirección atípica debido al pésimo estado de salud del director de “Rebelde sin causa” (1955) o “55 días en Pekín” (1963), entre otras películas. Wim Wenders es un cineasta alemán admirador de Ray y ya consagrado cuando realizó esta cinta. “Relámpago sobre el agua” se grabó en un espacio de tiempo corto, justo antes de que el alemán comenzara a rodar “Hammett” (1982).
Portada del DVD.
Su comienzo es de falso documental: Wim Wenders visita de una manera sorpresiva a su amigo y admirado Nicholas Ray en su domicilio de Nueva York. Salvo estos primeros minutos estamos ante el espectáculo-documental de los últimos momentos de Ray. Nicholas Ray, enfermo terminal de cáncer, nos hace un retrato de su vejez y enfermedad. Junto al grupo de técnicos que participa en el rodaje, la joven pareja de Ray y el propio Wim Wenders nos introducen en el día a día de un enfermo que le queda poco tiempo de vida.
Resulta duro. Rodarlo es una delicada misión que por momentos genera preocupación en el director alemán. Más tarde declaró que no era una película para exhibirla por televisión, solo en las salas de cine para propiciar el recogimiento que amerita. Tras estrenarla en Cannes, en una versión más extensa, decidió reducir su duración; debido a las críticas recibidas.
Carátula del DVD.
Este documental de los últimos momentos del “maestro” retratados por su “pupilo” no se puede entender sin la presencia de una leyenda del cine y su heredero cinematográfico. Si fueran dos desconocidos y anónimos protagonistas, esta película no tendría ningún interés.
En un breve espacio de tiempo vemos a un Nicholas Ray cada vez más débil. El cáncer actúa muy rápido y de una manera cruel. Pero en este retrato del sufrimiento vemos risas, amor y momentos de absoluta vitalidad. Junto a su joven pareja, Susan Ray, hay momentos para pensar en un futuro, aunque sea de días.
La muerte se presenta como camino y así se representa en su último viaje: Un barco de vela chino lleva sus cenizas. Las gracias físicas divinas (sanaciones) están fuera de lugar en un retrato humano alejado de supersticiones y mojigaterías ligadas a la religión. Libre de hipocresía, Ray encuentra en sus amigos, pareja y su gran obra el apoyo que necesita.
El Sábado 4 de Febrero; la película fue presentada y hubo posterior coloquio, como ocurre siempre en la primera sesión de los Sábados en la Filmoteca de Cantabria, por Fernando Ganzo y José Luis Torrelavega.
Es una película canadiense del 2009 que dura 120 minutos.
Por Antonio Fernández Munárriz.
Su director es Jacob Tierney. Es un actor, director y guionista canadiense de cine y televisión. Jay Baruchel es el actor canadiense protagonista de la cinta.
En el recuerdo: León Trotsky y Woody Allen.
El mimetismo del personaje de la película con el personaje histórico nos recuerda al falso documental de Woody Allen, “Zelig” (1983). Un hombre es conocido popularmente por adaptar su apariencia: El camaleón humano.
El joven protagonista de la película adquiere el físico, los gestos, la manera de hablar, vestir y comportarse del revolucionario ruso, León Trotsky.
El personaje real se enfrentó a Stalin, tuvo que exiliarse en México y terminó asesinado por encargo del líder ruso en 1940.
Las ideas de León Trotsky siguen siendo un referente en la izquierda de muchos países y fue importante su impronta en sindicatos de los EE.UU y Canadá.
El argumento.
El argumento va más allá de una comedia sobre adolescentes. Es una denuncia sobre la falta de valores y el hedonismo en la juventud actual.
Un estudiante comparte el mismo nombre que el personaje histórico y adapta su personalidad a la de él. En clave de comedia nos adentramos en sus difíciles relaciones de familia y con sus profesores debido a esta situación. A raíz de este hecho, que puede parecer un trastorno psicológico, nos adentramos en una sociedad consumista con un sistema económico depredador, duramente competitivo y que divide a la sociedad entre ricos y pobres. Un sistema injusto y nada igualitario que genera pocas oportunidades para la mayoría dejando a muchos en la cuneta. Situaciones cómicas que sirven también como denuncia.
Portada del DVD.
Frente al carácter revolucionario y agitador del joven Trotsky; se encuentra a unos compañeros de instituto apáticos, con nulo compromiso social y que buscan el placer y la diversión ante todo. Un retrato del hedonismo en la sociedad canadiense, y más concretamente en la ciudad de Montreal donde está ambientada esta película.
La cinta se adelantó al Movimiento 15-My merece una reflexión desde esa mirada. Pertenece al cine independiente, que no solo busca entretener.
Dependiendo de la copia dura 94, 100 o 110 minutos. Es de Brasil. De 1968.
Premiada en Cannes y la primera película en color del director.
Por Antonio Fernández Munárriz.
Cartel en B/N de "Antonio Das Mortes".
La década de los años 60 trajo un nuevo cine en Francia, un movimiento denominado “Nouvelle Vague”(Nueva Ola). Desde Brasil se creó un cine similar que se denominó “Cinema Novo”(Cine Nuevo).
Un tiempo de renovación sin olvidar a los pioneros del cine brasileño, como Mario Peixoto. Autor de una sola película “Límite” en 1931, fue poeta y novelista. Humberto Duarte Mauro fue otro pionero. Escritor y documentalista.
En la década de los 60 una dictadura, la izquierda en efervescencia y la agitación social acompañaron al nacimiento del nuevo cine de Brasil. La crítica lo llamó “cine tercermundista” por el alarde de creatividad: Con pocos medios y hecho en un país subdesarrollado.
“Antonio Das Mortes” es una continuación de “Dios y el diablo en la tierra del sol”(1964). Esta cinta supuso el arranque de una estética que los críticos definieron como “estética del hambre”. Películas con influencias de Eisenstein, del neorrealismo italiano, del dramaturgo y poeta Bertolt Brecht y del western.
Portada del DVD.
La historia del bandolerismo en Brasil.
Antonio Das Mortes es un Cangaceiro. Los cangaceiros eran bandidos que actuaban en el extensísimo y rural nordeste brasileño. Una extensa región donde los terratenientes eran los dueños del territorio y de sus habitantes desde los tiempos de la esclavitud. Los cangaceiros aparecieron en el siglo XIX como respuesta al descontento generalizado ante la explotación de los hacendados, amparados en la inexistencia de la autoridad del estado.
Bandidos que robaban a los ricos para repartirlo entre los pobres o en su propio beneficio. Ejércitos privados pagados por los terratenientes les acosaban. A principios del siglo XX el gobierno de Brasil se propuso acabar con su vacío de poder y los que no fueron encarcelados terminaron asesinados.
Al estilo del western.
Caratula del DVD.
La película es de inspiración poética. Antonio Das Mortes es un personaje que se trata desde el contexto cultural de Brasil. Un lenguaje imaginativo en un paisaje rural con sencillas melodías musicales. Sincretismo, entendido como mestizaje, popular y folclore empapado en el misticismo o unión de lo divino con lo humano.
Glauber Rocha fue el director de la película y de este movimiento: “Cine Novo”. Rompe dogmas desde un nacionalismo que cambia los valores establecidos.
Es una película francesa estrenada en el Festival de Cannes 2011, ambientada en Marruecos. Dura 120 minutos. Es del 2011.
Por Antonio Fernández Munárriz.
El guión y la dirección es del director rumano afincado en Francia, Radu Mihaileanu. El productor es el director de cine francés autor de películas de éxito (“El quintoelemento”, 1997 o “Nikita, dura de matar”, 1990), Luc Besson.
Portada del DVD, blu-ray disc.
Radu Mihaileanu es un director judío que ha tratado en “Vete y vive”(2005) el drama de cientos de miles de judíos etíopes que escaparon del hambre en 1984. Un traslado en aviones de la comunidad judía etíope a Israel que llevó el nombre de “Operación Moisés”.
La música es de Armand Amar, nacido en Israel pero afincado en Francia. En el 2010 recibió un Premio Cesar del cine francés por componer la música de otra película de Radu Mihaileanu. Un compositor imprescindible en el cine y televisión de Francia.
Basado en una historia real con influencia de la Grecia Clásica en pleno siglo XXI.
Con “La fuente de las mujeres” hace un análisis del mundo rural musulmán a raíz de un hecho real que ocurrió en Turquía en el año 2001, cuando las mujeres de un pueblo; hartas de recorrer un largo y tortuoso camino para recoger agua se negaron a hacer el amor con sus maridos hasta que estos canalizasen el agua hasta el pueblo.
Portada del DVD.
Este hecho inaudito nos lleva al recuerdo de la Grecia Clásica y en concreto a una obra de teatro de Aristófanes (un escritor de comedias que falleció en el año 385 Antes de Cristo). En “Lisístrata”, esta mujer jura no hacer el amor con su esposo en señal de protesta: Una huelga de amor; tal y como trata la película.
La protagonista es Leila, interpretada por Leila Bekhti (Premio Cesar del cine francés a la mejor actriz revelación por “Tout ce qui brille” (“Todo lo que brilla”, 2010). Una actriz que se ha convertido en una celebridad en Francia, participando en cine y televisión.
El argumento: Una comedia.
La historia, en clave de comedia, es intimista y a veces dramática. La metáfora de la vida es el agua. Un camino de penalidades en lo alto de una montaña que conducen a la fuente: Accidentes, celebraciones y misterios.
Aspectos históricos de un pueblo rural y atrasado, cuestiones de fe que fluctúan entre un Islam rígido y otro más tolerante; y sobre todo, la temperie cultural de una sociedad en transformación debido a la emigración y al turismo.
Las mujeres toman la iniciativa y se revelan haciendo una “huelga de amor”. Solicitan lo que tiene el resto del mundo: Agua y electricidad en sus casas. Como mujeres, les toca por tradición cargar durante kilómetros y tortuosos caminos con calderos llenos de agua. Frente a la mujer de ciudad, libre y de vida cómoda; nos encontramos con la mujer rural, sometida al hombre y con trabajos, cultura y relaciones interpersonales ligadas al Medievo.
Ha sido exhibida en los cines Groucho, de Santander.
Es de EE.UU, en idioma yiddish. Dura 80 minutos y es de 1931.
Por Antonio Fernández Munárriz.
El argumento y sus protagonistas.
Un niño de la atrasada Europa se escapa de casa y emigra a la tierra de las oportunidades: América. Tras muchas penalidades triunfa como cantante y encuentra el amor. Un melodrama romántico-musical lleno de buenas cancionesy con bastante comicidad. El idioma yiddish y su melodiosa pronunciación acompaña perfectamente a la música.
Su protagonista, Moishe Oysher, era un apreciado cantante y actuaba en bodas y celebraciones judías. La cinta sin ser autobiográfica, tiene coincidencias con el protagonista y también con el director.
Sidney Goldin es su director. También trabajó como actor en cine y teatro yiddish. Un cineasta yiddish europeo que se trasladó a los EE.UU para triunfar, al igual que el protagonista de esta película. Durante el rodaje sufrió un ataque al corazón del que se recuperó y fue sustituido por Ilya Motyleff. Esta es la causa, que dependiendo de la fuente, la película esté firmada por uno u otro director.
La otra cantante de la cinta es Florence Weiss. Pareja en la vida real del protagonista, Moishe Oysher.
“Campos verdes” (1937). Otra película yiddish.
El yiddish: Más que un idioma.
El yiddish engloba a todo lo relacionado con los judíos de Centroeuropa. Unidos por una lengua con varios dialectos dependiendo de su localización geográfica pero teniendo como base la mezcla del alemán, ruso, y polaco; junto al hebreo y arameo: Esto forma el idioma yiddish.
De este modo hablamos del cine yiddish como extensión de lo judío. Un cine de bajo presupuesto dirigido a los judíos y producido desde los años 20 a los 40 del pasado siglo. Trataban leyendas y temas recurrentes de su comunidad unidos por su idioma.
Las preocupaciones y valores de los judíos estaban reflejados en las cintas que se distribuían en Europa y América. Rodadas indistintamente en ambos continentes. Su origen es teatral y la más destacada fue rodada en Polonia antes de ser invadida por la bota nazi, “El Dybbuk” (“Espíritu malicioso”), está basada en una obra de teatro de 1914.
Cartel del ciclo en la F. Botín.
Leyendas, dramas, comedias y musicales tenían cabida en este tipo de cine. Una reafirmación de su cultura e idioma frente a la homogenización que se producía en la industria del cine.
Esta película tuve la oportunidad de verla el 11 de Enero del 2012 en la Fundación Botín, de Santander. Fue presentada por Richard Peña, profesor de ciney director de programación del Film Society of Lincoln Center.
